MARIN – ¿Qué es lo que hay que enseñar?

“RICARDO MARÍN. Qué es la Educación Artística. Sendai, 1991.”

  • ¿QUÉ ES LO QUE HAY QUE ENSEÑAR EN ARTES PLÁSTICAS?
    • Actualmente es posible delimitar ters posiciones claramente definidas.
    • La dimensión expresiva, la dimensión comunicativa y la dimensión artística.

  • La dimensión expresiva: dibujar para vivir.
    • Se propone que el área artística, más que aprenderla, hay que vivirla. Su idea es que el conjunto de los alumnos disfruten jovial y participativamente en un proyecto colectivo. Su actividad predilecta es la realización de un gran mural, hecho en grupo, con materiales baratos y abundantes, a partir de una estimulación musical y en el que cada uno, más que someterse a un boceto o plan rígidamente preestablecido, ha tenido la oportunidad de interpretar, añadir o inventar su contribución propia.
    • Los niños tratarán de copiarse entre sí, particularmente cuando uno de ellos ha recibido un premio o un elogio, y otro desea recibir también esa recompensa. Si ponemos un énfasis positivo en las diferencias y elogiamos la no conformidad y la experimentación, favoreceremos el pensamiento creador.

  • La dimensión comunicativa: dominar el lenguaje visual.
    • Lo decisivo es que el mundo contemporáneo está principalmente poblado por imágenes de todo tipo. Mientras que el conjunto del currículo gira en torno al lenguaje verbal, el área artística es el imperio de la imagen: un lenguaje propio y distinto que hay que aprender a usar y descifrar.
    • Se propone distinguir entre lenguaje visual y artes visuales. En el primero, primarían los aspectos estrictamente comunicativos, en el segundo, los más propiamente artísticos. Dominar el lenguaje visual significaría ser capaz de producir y comprender con toda corrección cualquier tipo de imágenes visuales: dibujo. Diseño, fotografía, publicidad, tebeos televisión, vídeo.
    • Para organizar esta “gramática” del lenguaje de la imagen, se recurre a los sistemas que desarrollaron artistas y profesores de la mítica Escuela alemana Bauhaus: V.Kandinsky,P.Klee, L. Mooly Nagy, J.Itten. Ellos fueron los primeros en señalar la existencia de un lenguaje propio de las artes plásticas, cuyos elementos básicos serían: el punto, la línea, el plano el color, la textura. Dominado estos medios, y las leyes o normas sintácticas que rigen su interacción: armonía, equilibrio, contraste, etc., solo restaría familiarizarse con las características propias de material sobre el que se desarrollará el trabajo artístico; papel, madera, meta, piedra, vidrio.
    • Los ejercicios predilectos de los seguidores de esta línea giran en torno al comic y al diseño gráfico y –en la medida de lo posible- incorporan las nuevas tecnologías de la imagen al trabajo en el aula.

  • La dimensión artística y estética: conocer y gozar el arte.
    • Las obras de arte deben ser el verdadero centro nuclear del área artística.
    • Debemos afirmar que hallarse ante las obras, la frecuetación regular e intensa, constituye la vía principal y más eficaz de la sensibilización, único modo verdadero de acceder al dominio de los códigos. Alimento por excelencia del sentimiento de familiaridad.
    • “Aquellos que no gozaron de un entorno familiar favorable, en caso de que la escuela no emprenda, desde los primeros años de escolaridad, el necesario trabajo de sensibilización estética que incluye la práctica de oír discos, presentar obras plásticas, cinematográficas, etc., todo ello realizado sistemáticamente, nunca saldrán del analfabetismo sensorial y del consumo llano” Porcher, 1975.

  • Estas tres concepciones de la enseñanza de las artes plásticas no suelen darse en estado puro. Lo habitual, y los programas y orientación escolares así lo propician, es concluir en una síntesis ecléctica, que en ocasiones acierta en la proporción adecuada.

  • ¿CÓMO HAY QUE ENSEÑAR LAS ARTE PLÁSTICAS?
    • Se pueden reconocer dos puntos de vista opuestos acerca de cuáles son los métodos óptimos para desarrollar el talento artístico.
    • Uno de ellos es el criterio “del desenvolvimiento” o “natural”. Se considera que el niño contiene en sí el “germen” del virtuosismo artístico. Debe proteger a los retoños de las influencias nocivas para que las semillas tengan la oportunidad de desenvolverse solas hasta convertirse en flores de singular belleza.
    • El criterio opuesto puede denominarse el enfoque “de la instrucción”, o “directivo” o “de la enseñanza de las destrezas”. “Al igual que un huérfano abandonado en un sitio poco propicio, el joven artista, si se lo deja librado a sus propios recursos, nunca habrá de concretar sus potencialidades. LA idoneidad en las artes implica el dominio de muchas técnicas sumamente intrincadas, que sólo se pueden adquirir bajo la dirección de un maestro con talento o de un eximio artista” (Gardner, 1987).
    • En las artes plásticas, hay cosas que se pueden aprender, pero no todo se puede enseñar.
    • Las cualidades ideales son, tanto el más completo dominio del oficio, como la más espontánea intuición creativa.
    • Es más correcto considerar que algunos métodos de enseñanza son mejores que otros para aprender ciertas cosas. Depende de lo que queramos conseguir será preferible recurrir a uno u otro sistema.
    • En cualquier caso, pueden señalarse tres características generales de cualquier método de enseñanza de las artes plásticas actividad, individualidad y creatividad.
    • Sólo el ejercicio constante y prolongado permitirá avanzar en aquello que es propio de cada una de esas facetas de las artes visuales.
    • El principio de la enseñanza activa también es vigente para los aspectos o dimensiones “teóricos”. La mejor manera de aprender y refinar la capacidad de apreciar la calidad de las obras artísticas es deteniéndose en observar complacientemente obras originales.
    • La enseñanza debe ser necesariamente individualizada porque en las artes plásticas lo decisivo es aquello que cada uno puede aportar como propio y singular. Más que imponer un sistema o procedimiento de trabajo se trata de fomentar que cada uno descubra los mecanismos, procedimientos y materiales que son más acordes con su propia forma de ser.
    • No es posible apreciar el interés o valor de un trabajo aplicando una norma o patrón de referencia idéntico para todos los alumnos.

4 comments

  1. Creo que una combinación de todas estas posiciones, cubrirían un buen trozo del campo artístico en cuento a educación. Sin embargo, aún hacen falta más propuestas para cerar un programa educativo completo.

  2. “Dominado estos medios, y las leyes o normas sintácticas que rigen su interacción: armonía, equilibrio, contraste, etc., solo restaría familiarizarse con las características propias de material sobre el que se desarrollará el trabajo artístico; papel, madera, meta, piedra, vidrio.”

    Esta forma puede llegar a cohibir la creatividad del niño.

  3. “El criterio opuesto puede denominarse el enfoque “de la instrucción”, o “directivo” o “de la enseñanza de las destrezas”. “Al igual que un huérfano abandonado en un sitio poco propicio, el joven artista, si se lo deja librado a sus propios recursos, nunca habrá de concretar sus potencialidades. LA idoneidad en las artes implica el dominio de muchas técnicas sumamente intrincadas, que sólo se pueden adquirir bajo la dirección de un maestro con talento o de un eximio artista” (Gardner, 1987).”

    Totalmente de acuerdo.

  4. “En las artes plásticas, hay cosas que se pueden aprender, pero no todo se puede enseñar.”

    Aquí radican algunos de los problemas para plantear los criterios de la Educación Artística. Mucho debería ser aprendido por el alumno a base de experimentación, indagación… un trabajo en el que, a pripori, no participa el educador.

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